A día de hoy y tal como está la situación de la industria discográfica, que un grupo triunfe depende de muchos factores más allá de lo bien que funcione un álbum en las listas de ventas. Lo lógico es que las bandas busquen su propia perdurabilidad en el tiempo, es decir, que su éxito no sea simplemente una moda. Por ejemplo, el caso de Lady Gaga, que bien podría ser un fenómeno pasajero o la nueva reina del pop, pero lo cierto es que hay artistas con una perspectiva cortoplacista que solo persiguen conquistar el mercado durante unas semanas. Eso explica que muchos trabajos del mainstream actual tengan varias canciones amigas de las radios, mientras que el resto son puros montones de paja.

Por suerte, existen grupos como Foo Fighters que le ponen empeño, pasión y ganas a la música que hacen. Obviamente, a nadie se le debe escapar que esta banda busca su propio beneficio y no actúa por amor al arte. Este artículo no es el que escribiría un seguidor empedernido sobre su banda favorita, sino una visión objetiva que pretende analizar las causas del éxito de esta formación estadounidense. Que llenan estadios, que venden discos y que causan furor allá por donde pasan es una obviedad, pero está bien preguntarse por qué un grupo de hard rock ha llegado a estar donde está, en la cumbre de la música contemporánea.

Canciones

Punto número uno. Si no tienes buenas canciones, tu legado musical tendrá los días contados. La esencia de un grupo es la música que hace, que, a su vez, es la forma que tiene para conectar con la gente. No todos tenemos un catálogo interno en nuestra cabeza para distinguir si lo que suena es metalcore vegano industrial o southern rock, ni tampoco un detector de ligeros desafines o pequeñas picias musicales. Pero sí somos capaces de identificar de inmediato lo que nos gusta. Y eso que parece tan abstracto es lo que ha conseguido Foo Fighters con canciones como “Best Of You” o “The Pretender”:

Pero es que tampoco se puede decir que Foo Fighters sea un grupo que viva de las rentas. En abril de este mismo año se publicó Wasting Light, una auténtica joya del rock and roll, con una producción exquisita y con temas tan buenos como “Walk”:

Conciertos

Tras su reciente paso por España todo fueron buenas palabras para Foo Fighters. Los medios recogieron críticas en las que alababan al grupo de “Rope” con palabras como “el mejor concierto de rock del siglo”, otros eran menos exagerados y lo calificaban como simplemente “el mejor concierto del año”. Su repertorio en el Palacio de los Deportes de Madrid fue de 2 horas y 45 minutos que entusiasmó a los miles de asistentes que llenaron el recinto.

Pero claro, lo mejor en estos casos es comprobarlo por uno mismo. Solo entonces podremos apreciar que Foo Fighters ofrece uno de los shows más dinámicos, vivos y rockeros de la actualidad. Encontraremos guitarreos, show y un buen puñado de hits que cantar a pleno pulmón. ¿Alguien da más?

Internet

Una de las grandes apuestas de FF es Internet y, al mismo tiempo, es uno de sus mayores aciertos. Aparte de tener presencia en las redes sociales (Facebook, Twitter, MySpace) lo bueno de esta banda es que las aprovechan para interactuar de verdad con el público. En los últimos meses hemos podido comprobar cómo se gestaba Wasting Light, con fotos y detalles de la grabación; ha habido quien ha podido optar a dirigir un videoclip oficial mediante de un concurso a través de la red y, sobre todo, ha sabido sacarle partido a YouTube y a los contenidos multimedia. Basta empezar con que pusieron a disposición de todo el mundo su nuevo disco en streaming, sin coste alguno y una semana antes de que se publicase oficialmente.

En medio de una situación de negocio cambiante y en transición hacia Internet, lo más coherente es no poner trabas a la red de redes, convivir con ella y saber utilizarla conociendo que las reglas del juego han cambiado. Mientras muchos artistas se empeñan en maldecir la herramienta y echar a perder su propia música -tenemos muchos ejemplos cercanos-, hay otros como Foo Fighters o Radiohead que tienen claro lo importante que es Internet para la música y para la industria que les da de comer.

Dave Grohl y Nirvana

Dave Grohl es el líder indiscutible de la banda. Tiene una personalidad extravagante y enigmática capaz de mantener la atención de miles de personas. Aparte de su actitud y de sus tablas en los escenarios, su personal voz y las canciones que compone conforman una parte importante del éxito de Foo Fighters.

No podemos pasar por alto tampoco los orígenes de Grohl. Si no hubiera sido el baterista de Nirvana probablemente no habría sido tan conocido y nunca habría llegado a la cima del rock. Que a la banda del Nevermind le debe gran parte de su éxito es algo que el propio Dave reconoce.

Humildad y cercanía

Ser una estrella del rock no debe ser muy bueno para el ego de uno mismo. Quizá lo peor que tiene la fama es que, al final, uno acaba creyéndose un ser por encima del bien y del mal, con el consiguiente derroche de arrogancia y superioridad. No es el caso de Foo Fighteres, un grupo con unos integrantes que conocen bien su éxito pero que tienen los pies en la tierra y a los que les gusta sentir el contacto directo con el público. Y quien no lo crea que vea cómo disfrutan los chicos tocando en pequeños garajes para muy pocas personas:

Pocas bandas tienen la capacidad para burlarse de sí mismos, el estrellato, los amigos y el estilo de vida americano, tanto como lo han hecho desde hace varios años ya los Foo Fighters, una banda a la que es imposible no haber escuchado o haber visto en algunos de sus videos, pues estos son verdaderos pozos de creatividad y risas aseguradas.

Sin embargo, la agrupación no parece querer limitarse en cuanto a promoción se refiere, pues ahora han decidido presentar un nuevo vídeo, pero no para una de las canciones de su más reciente producción Wasting Light, sino para anunciar las fechas de su próxima gira en los Estados Unidos.

Por supuesto, el que la promoción sea para su tour y no para un sencillo no era razón suficiente para hacer algo de calidad y digamos, novedad, habrán pensado ellos. Así, la agrupación decidió inspirarse en todo un clásico de la vida estadounidense, es decir, los camioneros que recorren el país llevando sus mercancías, durmiendo en moteles, comprando en tiendas de paso y comiendo en pequeños restaurantes con relajadas medidas sanitarias, para crear las imágenes de este nuevo documento visual.

Además, estos (ahora lo sabemos) pobres camioneros también pueden ver en el camino diversas ofertas para duchas gratuitas y televisión por cable que al parecer son imposibles de resistir. O al menos eso es lo que parecen decir Dave Grohl y compañía, quienes en esta ocasión aparecen disfrazados como cuatro camioneros de cabellos largos, botas de vaquero y pinta de malos, al menos hasta que deciden entrar a uno de estos lugares con “duchas gratuitas”. Lo que pasa después es digno de ser visto pero no contado, basta decir que la banda no utiliza como fondo uno de sus temas sino la canción “Body Language” de Queen y que existen dos versiones del video, una normal, que pueden ver aquí mismo, y otra no apropiada para los espacios públicos, que pueden disfrutar desde la página oficial del proyecto.

Yo lo único que les puedo decir es que no hay mucha diferencia entre ambas versiones y que bien pueden disfrutar la “censurada” si no arden en deseos de ver el trasero de Dave y sus amigos. Por lo demás, este es un video digno de verse y repetirse, sobre todo en días difíciles de escuela y trabajo, cuando las risas son más que necesarias. Sin más, los dejo con los Foo Fighters y su “caliente” nuevo video.

Mientras que a un lado del charco algunos nos derretimos de calor, en el otro están pasando algo de frío. Afortunadamente, la música es universal para todos y no hay una mejor época del año para disfrutar de buena música. Una de las maneras más completas para ello es asistir a un buen concierto o a un buen festival. Siempre se ha dicho que en directo es cuando una banda demuestra lo buena que es, porque ya sabemos que con Auto-Tune hasta un perro puede sonar bien.

Como en Perikid amamos la buena música, no podemos pasar por alto la oportunidad de recopilar en una agenda los eventos musicales que no podemos perdernos. A partir de ahora, todos los jueves de cada mes recordaremos los conciertos y festivales más inmediatos a los que estaría bien asistir. Por supuesto, si tenéis alguna recomendación, la leeremos encantados en los comentarios.

España

• Xtreme Mas Metal Festival. Los días 18, 19 y 20 de agosto, la Fábrica de Tornillos de Miranda de Ebro (Burgos) se llenará de brutalidad sonora con 18 bandas de metal extremo de entre las que cabe destacar a Angelus Apatrida, Gauntlet y Vita Imana.
• Monkey Day. El próximo 19 de agosto la localidad asturiana de Vigo acogerá un festival que contará con grupos como Mogwai, Delorean o Cansai de Ser Sexy. Será en el Teatro de la Laboral.
• Festival Arteficial. La localidad de Ribadavia (Ourense) acogerá el día 20 de agosto un festival que incluye grupos como Zoe, teNPel o Estirpe.
• II Metal Lorca. Después de haber sufrido los efectos de un grave terremoto, la ciudad de Lorca acogerá un festival donde el heavy será la música predominante. El sábado 20 de agosto grupos nacionales como Silver Fist, Dragonfly, Sphinx o Ktulu estarán descargando en el Recinto Ferial Santa Quiteria (Huerto de la Rueda).
• Maldito Sol Festival. Quizá por las tremendas temperaturas que tiene Almería en pleno de mes de agosto recibe tan peculiar nombre el evento. El jueves 25 de agosto tocarán en el Palacio de Deportes del Estadio Mediterráneo Vetusta Morla, El Columpio Asesino, Eladio y los Seres Queridos y El Fin del Mundo.
• Festival Dolorock. Lori Meyers, fuel fandango, Idealipsticks y eme DJ estarán amenizando la noche del 27 de agosto en el Campo da Feira de O Mosteiro de Feis (Pontevedra).
• Festivales de Albacete 2011. La localidad castellanomanchega se caracteriza por apostar siempre por eventos musicales, especialmente en sus fiestas patronales. En este caso, el 27 de agosto tocarán Vetusta Morla, Supersubmarina y Eladio y los Seres Queridos en la plaza de toros.
• MTV Madrid Beach. La conocida cadena musical ha organizado un evento bastante atractivo en la explanada del Puente del Rey de Madrid. Así, el jueves 1 de septiembre pasarán por el escenario grupos como Delorean, Miss Cafeína, Fucked Up o Zombie Kids.

México

• Jumbo. Desde Monterrey esta banda de rock alternativo ofrecerá una buena dosis de energía el 19 de agosto en el Voila de México DF.
• Erasure. Este grupo británico es una referencia mundial del synth pop. Tocará en México DF el 24 de agosto. Será en el Teatro Metropolitan.

Argentina

• Disturbed. Saber que puede ser la última oportunidad para ver a este grupo de metalcore en directo es un aliciente más que atractivo para no perderse la cita con David Draiman y compañía. Será el 25 de agosto en el Teatro Flores de Buenos Aires.
• Babasónicos. El grupo de rock argentino de Putita tocará en el Luna Park de Buenos Aires el próximo 27 de agosto. Presentarán su nuevo disco, A Propósito.
• Metronomy. Directamente desde Londres llegará este cuarteto de música electrónica al Niceto Club de Buenos Aires. Será el 30 de agosto y seguro que suenan sus remixes de grupos como Franz Ferdinand o Klaxons.
• Hey Monday y Never Shout Never. Para terminar el mes de agosto, nada mejor que una buena dosis de pop rock de la mano de estas dos bandas. Será el 31 de agosto en el Teatro Colegiales de Buenos Aires.

Pues sí. Una terraza ha sido el lugar escogido por Red Hot Chili Peppers para rodar el primer videoclip de “The Adventures Of Rain Dance Maggie”, perteneciente a su nuevo disco, I’m With You. Habrá quienes opinen que se trata de una clara alusión a The Beatles y otros que se trata de una idea poco original y con falta de imaginación.

Y es que Red Hot Chili Peppers ya tiene todo preparado para la publicación de su esperado nuevo álbum que, si recuerdan se estrenará el próximo 30 de agosto en todo el mundo y, además, podrá escucharse y ver cómo la banda lo interpreta en directo de manera simultánea en los cines de 33 países.

Pero vamos paso por paso porque, por el momento, tenemos un videoclip recién salido del horno que podemos ver cortesía de MTV. Fue grabado al atardecer el pasado 30 de julio en una terraza de Venice Beach (California) ante la atenta mirada de todo aquél que pasara por la zona. El director es Marc Klasfeld, que ha trabajado por ejemplo en el video “Times Like These” de Foo Fighters.

En mi opinión, se trata de un video que no conlleva mucha dificultad para el director ya que el propio escenario de grabación y las circunstancias poco convencionales del lugar ya le otorgan cierta vistosidad para los espectadores. Por lo demás, no tiene mucha complicación técnica ni de realización. Si los integrantes del grupo no tuviesen el carisma que les impulsa a moverse constantemente, es probable que el video no tuviese demasiado interés. Sin embargo, resulta curioso contemplar la reacción de la gente que poco a poco va llegando al lugar y que observa que una de las bandas de rock más exitosas del mundo está tocando en un tejado de tu ciudad.

Respecto a la idea de grabar en una terraza, no es tampoco algo que destaque por su innovación. No olvidemos que el último concierto de los Beatles se produjo en el tejado de su discográfica, Apple Records, en pleno centro de Londres, allá por 1970. Posteriormente incluso la serie de dibujos animados The Simpsons se hizo eco de aquél evento en uno de sus capítulos, por lo que es una idea bastante conocida y explotada.

Eso es. Una de las colaboraciones más esperadas del año ya está un poco más cerca, y es que si hace un par de meses se sabía que Metallica lanzaría un disco junto con Lou Reed, esta alianza ya tiene página web oficial.

De momento y como pueden comprobar, el sitio está completamente vacío, y solamente se muestra la imagen promocional que acompaña éste artículo junto con el texto Coming Soon —Próximamente—. Poco más o nada se sabe de la colaboración, salvo que será un trabajo de estudio completo que podría tener o no versiones tanto de Lou Reed interpretadas junto con la banda de la bay area, o de Metallica con el señor Reed a las voces.

No sé ustedes, pero a mi este experimento me suena muy pero que muy bien, y tengo mucho interés en ver que sale de él. En otras noticias y para amenizar la espera si es que la colaboración se retrasa, la banda norteamericana acaba de publicar un DVD grabado en argentina el año pasado, en el estadio del River Plate ante 60.000 personas.

Blink-182 está volviendo con todo,  la agrupación presentaría un video para “Up All Night” que fue elegida como la canción que sería el primer single de su nueva producción, que llevará el nombre Neighborhoods, después de nada menos que haber estado fuera de los escenarios como agrupación por ocho años.

La banda, que estará realizando una gira junto a My Chemical Romance durante julio y agosto, volvió con todo y presentó un video con una propuesta más que interesante. Lo que hicieron fue agarrar los videos que realizaron todos sus fanáticos que subieron a YouTube y que su compañía discográfica decidió dar de baja por culpa de los derechos de autor. Obviamente ellos estaban en contra de esto y, para vengarse de la discográfica, decidieron hacer esto.

Esto fue lo que dijeron desde la banda:

“Para lanzar nuestro primer single en ocho años AT&T nos ayudó a buscar en YouTube a todos los fanáticos que usaron nuestra música sin nuestro permiso. Nosotros los recompensamos por ello. Este film está hecho a partir de todos esos clips”.

Veamos, el video no está mal, pero la verdad es que me aburrió bastante y la edición no es nada del otro mundo. Pero lo que está genial es la actitud que tomó Blink-182 ante el que fue su sello discográfico. Le escupieron la cara y les importó poco y nada lo que piensen de ellos la corporación. Parece que se quedaron con un poco de bronca ya que, la separación, como lo explicaron hace un tiempo, fue por la gran maquinaria de la industria.

Por suerte en el mundo de la música no solamente hay dinosaurios anclados en el pasado; también tenemos agrupaciones y solistas que destacan por su gran capacidad para innovar a base de utilizar nuevas tecnologías como por ejemplo Arcade Fire o OK Go, banda originaria de Chicago que acaba de demostrar nuevamente dicha capacidad al lanzar en colaboración con Google una versión interactiva creada en HTML5 del videoclip de su tema All Is Not Lost.

En la versión no interactiva del videoclip de All Is Not Lost, ya original de por sí, la compañía de danza Pilobolus junto a los integrantes de la banda van creando figuras y letras con sus cuerpos al compás del tema sobre un cristal visto desde abajo y en la interactiva aparece lo mismo pero con dos particularidades: una, que el vídeo “se rompe” en varias ventanas que van cambiando de tamaño y posición según la música y la coreografía, y dos, que los usuarios podemos incrustar en el mismo nuestro propio mensaje el cual será coreografiado por los bailarines.

Como viene siendo habitual y adelantaba esta nueva experiencia musical interactiva, que cualquiera puede probar accediendo a la web allisnotlost.st con Google Chrome, se nutre para funcionar principalmente de HTML5 y sus etiquetas de vídeo y audio y según comenta Google en su blog oficial para América Latina el experimento:

[..]tiene un significado especial para el equipo de Google Japón, que trabajó con OK Go en esto. Tras el devastador terremoto de Tōhoku, la banda sugirió usar All is Not Lost como un mensaje de aliento y apoyo a los japoneses durante esos difíciles momentos.

Mi conclusión tras experimentar con el proyecto es un poco la misma que en otras ocasiones: le pese a quien le pese, la potencia de HTML5 es evidente (y ahí lo voy a dejar, sin soltar ni una palabra relacionada con la otra tecnología que todos tienen en mente).

Han pasado ya cinco días desde que nos sorprendió la noticia de la muerte de Amy Winehouse. El polvo se asienta y los homenajes y palabras se suceden alrededor del mundo, mientras su familia le ofrece un funeral privado y las causas de su muerte todavía no son reveladas pues las autoridades no pudieron determinarlas con la autopsia, de ahí que tendremos que esperar a los exámenes toxicológicos en unas cuatro semanas. Sin embargo, más allá del remolino de noticias y recuentos que seguramente seguirá habiendo en estos días, hoy hemos decidido darle paso a lo más importante: la música.

Es innegable que todavía es muy pronto para hablar del legado musical de Amy Winehouse. Por un lado, la cantante sólo nos dejó dos discos y algunas colaboraciones. Además, su último álbum fue editado hace ya cuatro años, y sus problemas de adicción la habían tenido un buen tiempo alejada de su mejor forma (una tristeza por cierto que lo último que recordemos de ella sea esa horrorosa presentación en Belgrado).

Sin embargo, es indudable que la Winehouse llegó a revitalizar la escena inglesa con su mezcla de R&B, soul, jazz, reggae y pop, trayendo consigo una bocanada de aire fresco e irreverencia que se convirtió en su marca registrada. Su música contaba además con una influencia indeleble de cantantes de jazz como Sara Vaughan y Billie Holiday, con quien por cierto compartió un triste amor por la autodestrucción, aunque en el caso de la Holiday su decisión estaba más que justificada (su vida hubiera sido perfecta para una telenovela si no fuera porque fue tan triste que ni siquiera los acostumbrados a los dramas televisados podrían soportarla).

Amy no sólo poseía un registro vocal magnifico que complementaba con su propio acento y que se vio influenciado por una niñez musicalizada por el jazz y sus intérpretes; su voz y estilo ayudaban además a dar a sus letras una sensación de intimidad e importancia que permitía al escucha tomarlas con seriedad no exenta de humor. Hay que decir que para ella siempre fue importante hablar de lo que ya conocía, lo cual por supuesto nos permitía escuchar bastantes irreverencias y una que otra grosería. Sin embargo, como ya dije, su voz le permitía salir avante del reto de cantar de manera directa cosas que en voz de otras personas sonarían cómicas o incluso tontas.

Una cantante franca con el corazón en la mano, que no por ello dejaba de ser ordinaria en algunos momentos. Esto se complementaba con su música que rescataba lo mejor del sonido motown, al que le dio un toque de modernidad pero que todavía tenía el jazz suficiente para mover cabezas y pies. En fin, fueron sólo dos discos los que la Winehouse regaló al mundo, pero que contenían joyas como estas:

1. “Rehab”

Este es el momento de ser honesto y decir que francamente no soporto esta canción. Si soy sincero, a mí la glorificación de las drogas y las “almas sufridas” en la música me dan mucha flojera. Sin embargo, en buena medida no hay mejor canción que ésta para definir a Amy Winehouse. Trompetas grandilocuentes, un ritmo pegajoso ordenado por la batería y un bajeo excelente combinado con su necedad de no ir a rehabilitación. Corazón en una mano con un palo listo para golpear en la otra.

2. “You Sent Me Flying”

Un poco de soul y una cuchara de blues encapsulados en una balada a piano sostenida de principio a fin por su voz y ese fraseo que lo mismo recuerda a Holiday que a Erykah Badu (otra de sus grandes influencias) y aún así sigue sonando a Amy Winehouse. Sentimiento puro con un poco de acidez.

3. “Stronger than me”

La Winehouse tomó muchos de los elementos de la música soul para construir su propio estilo, aunque en general fue un asunto de sonidos más que de palabras. Sin embargo, en esta canción Amy ofrece la actitud fuerte del sexo femenino que recuerda a uno de los himnos más famosos de este género: “Respect” de Aretha Franklin. No por esto debemos pensar que ambas canciones se parecen, pues por un lado, la canción de la Franklin es de ritmos rápidos y metales omnipresentes que marcan el ritmo a una súper fantástica voz; por el otro, Amy se toma su tiempo y su espacio para dejar que las notas lleven el ritmo, mientras que los metales aparecen únicamente al final. Entonces, ¿por qué la traigo a colación? Pues porque al final, tanto Aretha como Amy piden un hombre a la altura de las circunstancias y no vacilan en cantarle, con toda la actitud, las verdades a su pareja en la meritita cara.

4. “Fuck Me Pumps”

Musicalmente me parece uno de los temas flojos de la Winehouse, sin embargo, su falta de actitud se compensa con una letra fresca e inteligente que casi se convierte en rap para contar su historia y externar su desprecio ante esas chicas que sólo buscan ser la “mujer de alguien”.

5. “Take a Box”

Un balada soul/pop que muestra que, más allá de la actitud desafiante y los insultos a la hombría de sus parejas, Amy en el fondo lo único que quería era encontrar un amor real. El tema parece regodearse en el dolor de haber perdido a alguien pero aún tener sentimientos por esta persona. Coros femeninos le dan pie a la voz de Amy para lucirse y ser la estrella solitaria de esta fiesta.

6. “Back to Black”

Un piano llevando el ritmo, batería y bajo ofreciendo un poco del swing de los años 60, el pandero aliviando una letra tan descorazonada como todo lo que Amy nos había ofrecido hasta el momento. Sin duda un tema digno de nombrar su segunda producción.

7. “You Know I’m No Good”

Una de las grandes diferencias entre su primera producción y la segunda está en las vestiduras de metales y rítmicas baterías que, más que esconderse, salen a la luz para darle más ritmo y sabor a los temas. Esto en buena medida es gracias a la producción de Mark Ronson, quien vino a darle más poder a los instrumentos y la voz de la propia Amy en este segundo intento. Desde entonces la cantante ya nos decía que no era buena, y la verdad es que Back to Black era en buena medida eso: la confirmación de que a esta mujer el estrellato no le había venido bien y en realidad lo que estaba buscando era meterse en problemas. Es una lástima que las almas torturadas sirvan para hacer tan buenas canciones, porque el costo de crear semejantes piezas a veces puede ser muy grande.

8. “Valerie”

Un tema más salido de la colaboración entre Mark Ronson y Amy Winehouse. En este caso la canción no pertenecía a alguna de las producciones de la inglesa sino al disco de covers que Ronson se armó con algunos de sus amigos. Mientras que la original era un rock de trompetas pero rock al fin y al cabo, la Winehouse ofrece un sonido más sesentero con metales más limpios y un ritmo burbujeante.

9. “Addicted”

A otras cantantes podrán haberles robado las ilusiones, los buenos momentos, el dinero incluso, pero no a la Winehouse. Para ella lo importante es la hierba que desapareció y cómo, en cuestión de parejas y amigos, este asunto de todo lo tuyo es mío y lo mío es tuyo se podrá aplicar a muchas cosas pero no a las drogas. Con un timbre de voz un poco más alto que el usual y los omnipresentes metales, la Winehouse nos ofrece un poco del humor y la palabra directa que realmente hicieron la diferencia entre ella y el resto de las intérpretes actuales.

10. “Love Is a Losing Game”

En medio de tanta actitud desafiante y picante este tema es un oasis de tranquilidad lleno de corazones rotos, solitarios y perdidos que no conciben la vida sin el amor a su lado. Gentiles teclas de piano y cuerdas esparcidas sostienen la canción para que Amy pueda regodearse en su dolor y limpiarse las heridas, mostrando que al final, había más en su vida que drogas y machos mal educados.

Así terminamos este conteo pero, como cualquier lista, aceptamos que este asunto puede ser muy subjetivo. Así que porqué no nos dicen en los comentarios cuáles son sus canciones favoritas de Amy Winehouse.